In Roma, at the Vittoriano Museum Complex, in addition to the master of “dripping”, you will also find the other “Irascibles”: Mark Rothko, Willem de Kooning, Franz Kline
This exhibition is a unique opportunity to get to know artists that are rarely seen in person and all together in Europe. This is “Pollock and The New York School”, which until February 27th will be held at the Ala Brasini wing of the Vittoriano Museum, with about 50 works mainly on loan from the Whitney Museum in New York. This is a truly interesting event, due to the fact that The New York School was the first movement born in the USA to establish itself on the world art scene. We are in the 1940s, and while in Europe war winds are raging, the United States becomes a refuge for fleeing intellectuals and artists. This flow of refugees makes New York the new artistic capital, supplanting a war-torn Paris.
In fact, between the ’40s and’ 50s, American artists or Europeans transplanted in America, carried out similar figurative research. They developed a painting style that gave up figuration in favour of abstractionism, however with a very strong emotional and expressive charge that European abstractionism had not reached. American artists were influenced by the European avant-gardes while mixing different inputs, reaching an original and innovative style. With abstract artists, they share the rejection of the real figure, however they combine it with the strong emotional charge of European figurative Expressionism. They are also indebted to Surrealism for the importance given to the spontaneous gesture in the creation and for the pursuit of a painting that is a visual representation of the unconscious.
Many of these artists gravitated around the Art of This Century gallery that opened in Manhattan in 1942 by Peggy Guggenheim. An important point of reference in the artistic field, where works of well-known European artists were exhibited, such as Picasso and Braque, Dalì, Kandinsky, Joan Miró, Giorgio de Chirico. Alongside consecrated masters, however, Peggy also gave space and visibility to the works of young emerging artists who were almost unknown at the time, playing a fundamental role in the establishment of The New York School.
The leaders of this flowering artistic season were Mark Rothko, Willem de Kooning, Franz Kline to name a few, artists born in Europe but who developed artistically in America. Several of their works can be seen at this exhibition in Rome.
Quite certainly, the headmaster is Jackson Pollock, the only one born and trained exclusively in the USA. In this exhibition, you can admire his famous Number 27, a canvas of almost 3 metres, made with the technique that made him famous: dripping. This was a revolutionary breakthrough that had characterised his approach to painting, starting in 1947. The canvas was placed not on a trestle but on the floor. Pollock, instead of painting, attacked the the canvas by moving around almost in the form of a dance, dripping the colour directly from the jar or using sticks or making a dripping paintbrush vibrate and so on.
This work was carried out quickly following instinct, trying to reduce the intervention of reasoning as much as possible. The painter claimed that in this way the link with the work became more intense and it was like being inside the painting. This approach to his work was certainly quite intense, due to the fact the artist does not paint but acts with their whole body. Perhaps this is why the critic Rosemberg coined the term action painting in 1952, based on the testimony of the action of the painter who was at the forefront of the resulting work of art. Traditional oil colours were paired together enamels and aluminium. In these paintings, the uneven spread of the colour, the lines that intersect in an energetic way, as well as the paint that spreads as a liquid on the surface of the work, all gave the painting surface the sensation of a continuous movement, almost a continuation of the artist’s action. Sometimes material objects come into the picture, such as keys, buttons or cigarettes held suspended in dry paint.
No less interesting are the other painters on display. Where Pollock is movement and fragmentation of colour, Rothko paints large and uniform squares of colour that fade into an apparent immobility. On the other hand, Gorky creates baroque clusters simulating cracks from which the colour overflows, while De Kooning recovers the human figure but devastating it with energetic brushstrokes with explosive colours. He also traced around these strokes in order to make the movement of the brush visible to the viewer. These are just some of the more well-known artists on display – the exhibit offers many others.
Lastly, it is important to underline the fact that these artists inaugurated a new era, the new continent was no longer a passive consumer. From then on, art would have to deal with new protagonists: American artists.
Pollock e la Scuola di New York
A Roma, al Vittoriano, oltre al maestro del dripping, anche gli altri idimenticabili “irascibili”: Mark Rothko, Willem de Kooning, Franz Kline
Un’occasione unica per conoscere degli artisti che difficilmente in Europa è possibile vedere dal vivo e riuniti insieme. Si tratta di “Pollock e la Scuola di New York” la mostra che fino al 27 febbraio si tiene presso l’Ala Brasini del Vittoriano, con circa 50 opere provenienti principalmente dal Whitney Museum di New York. Evento interessante poiché la Scuola di New York, fu il primo movimento nato negli USA ad imporsi sulla scena artistica mondiale. Siamo negli anni ’40 e mentre in Europa imperversano venti di guerra, gli Stati Uniti diventano rifugio per intellettuali ed artisti in fuga. Questo flusso di rifugiati fa di New York la nuova capitale artistica, soppiantando Parigi.
Infatti tra gli anni ’40 e ’50 artisti americani o di origini europee ma trapiantati in America, portano avanti ricerche figurative omogenee, sviluppando una pittura che rinuncia alla figurazione in favore dell’astrattismo ma con una carica emotiva ed espressiva molto forte che l’Astrattismo europeo non aveva raggiunto. Gli artisti americani sono molto influenzati dalle Avanguardie europee ma mescolano le diverse suggestioni approdando ad uno stile originale ed innovativo. Dell’Astrattismo condividono il rifiuto della figura reale ma la combinano con la forte carica emotiva dell’Espressionismo figurativo europeo. Sono debitori anche al Surrealismo per l’importanza conferita al gesto spontaneo nella creazione e per la ricerca di una pittura che sia rappresentazione visiva dell’inconscio.
Molti di questi artisti gravitavano intorno alla galleria Art of This Century aperta a Manhattan nel 1942 da Peggy Guggenheim. Un importante punto di riferimento in campo artistico, dove erano esposte opere di affermati artisti europei, come Picasso e Braque, Dalì, Kandinsky, Joan Miró, Giorgio de Chirico. Accanto a maestri consacrati, Peggy tuttavia diede spazio e visibilità anche alle opere di giovani artisti emergenti allora quasi sconosciuti, svolgendo di fatto un ruolo fondamentale nella costituzione della Scuola di New York.
Protagonisti di questa felice stagione artistica furono Mark Rothko, Willem de Kooning, Franz Kline per citarne alcuni, artisti nati in Europa ma cresciuti artisticamente in America e di cui nella mostra romana vi sono diverse opere.
Willem de Kooning’s Woman — Ochre (oil on canvas, 1954-55) has been missing for 30 year
Certamente il capo-scuola è Jackson Pollock, l’unico nato e formatosi esclusivamente negli USA. Nella mostra potete ammirare il suo celeberrimo Number 27, una tela di quasi 3 metri, realizzata con la tecnica che lo ha reso famoso, il dripping (sgocciolatura) una svolta rivoluzionaria che caratterizza il suo modo di dipingere a partire dal 1947. La tela veniva collocata non su un cavalletto ma sul pavimento e Pollock invece di dipingere, vi agiva sopra, muovendosi attorno quasi in forma di danza, facendo gocciolare il colore direttamente dal barattolo oppure utilizzando bastoncini o facendo vibrare un pennello grondante di colore ecc. Un lavoro condotto velocemente seguendo l’istinto, cercando di ridurre al massimo l’intervento della ragione. Il pittore sosteneva che in questo modo il legame con l’opera diventava più intenso ed era come essere dentro il quadro. Un approccio all’opera certamente molto coinvolgente in quanto l’artista non dipinge ma agisce con tutto il corpo. Fu per questo motivo che il critico Rosemberg coniò nel 1952 il termine action painting, poiché nel quadro diventava primaria la testimonianza dell’agire del pittore che lo realizzava. Vengono impiegati accanto i tradizionali colori ad olio, smalti e vernici di alluminio. In questi quadri la stesura poco uniforme del colore, le linee che si incrociano in maniera energica, la vernice che si spande liquida sul piano conferiscono alla superfice pittorica la sensazione di un continuo movimento quasi una continuazione dell’agire dell’artista. Talvolta entrano nella pittura oggetti materiali come chiavi, bottoni o sigarette trattenuti dalla vernice secca.
Non meno interessanti gli altri pittori in mostra. Dove Pollock è movimento e frammentazione del colore, Rothko dipinge ampi e uniformi quadrati di colore che sfumano tra loro in una apparente immobilità. Gorky invece crea ammassi barocchi simulando fessure dal quale trabocca il colore mentre De Kooning recupera la figura umana ma devastandola con pennellate energiche dai colori esplosivi, tracciate anche queste in modo da rendere visibile il movimento del pennello. Solo per citare i più noti ma in mostra ve ne sono altri.
Costoro inaugurarono una nuova epoca, il nuovo continente non era più un fruitore passivo. L’arte da quel momento in poi dovrà fare i conti con nuovi protagonisti: gli artisti americani.
Anna Maria Calabretta